Adquiri recentemente um livro volumoso intitulado 1001 filmes para ver antes de morrer (infelizmente creio que morrerei antes de ver todos, pois são muitos e alguns, extremamente difíceis de encontrar).
Trata-se de um bom guia para quem procura um ótimo filme; as indicações são bem variadas, com produções de todos os gêneros, para todo tipo de público (saudosista, intelectual, clássico, descompromissado etc.), mas é inegável que o editor conseguiu compilar o que há de melhor em termos de cinema, e as indicações estão organizadas por ordem cronológica, com páginas ilustradas, o que deixou o formato bem interessante (apenas ainda não tive a paciência de contar se são realmente 1001 filmes!).
Não poderia deixar de compartilhar, entretanto, um erro bisonho cometido por uma das resenhistas, que escreveu sobre O poderoso chefão. A desavisada, talvez por um lapso, comenta que Don Corleone foi assassinado a tiros, motivo que leva Michael Corleone a realizar sua vendeta(!); oras, eu que deveria cometer uma vendeta contra a figura que escreveu uma bobagem dessas!
quarta-feira, 23 de junho de 2010
sexta-feira, 28 de maio de 2010
SOS Sicko
Um filme, uma denúncia
Sempre gostei de Michael Moore. Não pelo modo panfletário (e às vezes sentimentaloide) que em alguns momentos imprime à suas denúncias, mas pela relevância das feridas em que toca, derrubando certos preceitos em que, aqui e alhures, os fariseus da política nos fazem acreditar.
Impressionante constatar que o mendaz sistema de saúde estadunidense padece de problemas de fazer "inveja" a qualquer desdito político brasileiro. A gana de empresas de planos de saúde e de laboratórios inescrupulosos é aqui escancarada, compondo um rol de tortura de uma sociedade que se diz democrática, mas que de fato apresenta velados traços de regimes fascistas (aspecto sobre o qual o personagem de Michael Douglas, no filme Wall Street, tece relevante comentário).
Testemunhamos a cobrança de 12 mil dólares por um reimplante de parte de um dedo acidentalmente decepado; vemos o chocante despejo de pacientes com roupas hospitalares no meio do downtown de Los Angeles, em pleno dia; assistimos estupefatos às declarações de políticos americanos tecendo loas aos "heróis do 11 de setembro", mas que são responsáveis por um sistema atroz o qual nega aos heróis tratamentos de problemas de saúde oriundos justamente da ajuda – voluntária – no fatídico ataque terrorista de 2001.
O passeio de Moore pelo Canadá, pela Europa e por Cuba é a prova cabal da ineficiência no provimento de saúde em um país que fez da acumulação do capital e da coação do seu povo sua pedra angular e que vergonhosamente se autointitula um país livre; isso a certa altura é sintetizado nas sábias palavras de uma cidadã americana que reside na França: “aqui, o governo tem medo do povo; nos EUA, o povo tem medo do governo.” Bela democracia, seu Tio Sam!
Sempre gostei de Michael Moore. Não pelo modo panfletário (e às vezes sentimentaloide) que em alguns momentos imprime à suas denúncias, mas pela relevância das feridas em que toca, derrubando certos preceitos em que, aqui e alhures, os fariseus da política nos fazem acreditar.
Impressionante constatar que o mendaz sistema de saúde estadunidense padece de problemas de fazer "inveja" a qualquer desdito político brasileiro. A gana de empresas de planos de saúde e de laboratórios inescrupulosos é aqui escancarada, compondo um rol de tortura de uma sociedade que se diz democrática, mas que de fato apresenta velados traços de regimes fascistas (aspecto sobre o qual o personagem de Michael Douglas, no filme Wall Street, tece relevante comentário).
Testemunhamos a cobrança de 12 mil dólares por um reimplante de parte de um dedo acidentalmente decepado; vemos o chocante despejo de pacientes com roupas hospitalares no meio do downtown de Los Angeles, em pleno dia; assistimos estupefatos às declarações de políticos americanos tecendo loas aos "heróis do 11 de setembro", mas que são responsáveis por um sistema atroz o qual nega aos heróis tratamentos de problemas de saúde oriundos justamente da ajuda – voluntária – no fatídico ataque terrorista de 2001.
O passeio de Moore pelo Canadá, pela Europa e por Cuba é a prova cabal da ineficiência no provimento de saúde em um país que fez da acumulação do capital e da coação do seu povo sua pedra angular e que vergonhosamente se autointitula um país livre; isso a certa altura é sintetizado nas sábias palavras de uma cidadã americana que reside na França: “aqui, o governo tem medo do povo; nos EUA, o povo tem medo do governo.” Bela democracia, seu Tio Sam!
segunda-feira, 26 de outubro de 2009
JCVD
Antes do 3º ato de JCVD, o filme é arrancado de sua esfera ficcional e o protagonista, o próprio Jean-Claude Van Damme, cai em prantos ao refletir sobre passagens de sua vida. Impossível ficar alheio ao sofrimento do sujeito, pela veemência com que realiza uma espécie de desabafo ante sua condição de astro de filmes de artes marciais em franca decadência, derrotado pelas drogas e por problemas de ordem pessoal. E o filme dá mostras dessa decadência logo na primeira tomada, num inteligente exercício de metalinguagem em que vemos um Van Damme sem fôlego para rodar uma cena de ação em sequência única. “Não consigo fazer mais isso, tenho 47 anos”, diz o ator a um diretor asiático que não dá a mínima.
O filme é um bem engendrado relato de passagens ficcionais baseadas em fatos reais da vida do ator belga. O magrebino Mabrouk El Mechri, diretor do longa, opta por uma narrativa fragmentada, ao trabalhar a história sob pontos de vista diferentes, o que foi muito bem recebido pela crítica especializada. A atuação de Jean Claude, também bastante elogiada, deixa de lado a pancadaria descerebrada e os clichezinhos típicos de filmes de artes marciais, elementos pelos quais o ator se tornou, durante anos, um sucesso comercial.
E é exatamente ao mostrar um lado mais humano que Van Damme se destaca nessa pseudoautobiografia, que surpreende não só pelas particularidades do roteiro, como também pela forma como nos é apresentado um ator que, ao longo de sua carreira, não ofereceu nada além de filmes rasteiros repletos de socos e pontapés.
segunda-feira, 24 de agosto de 2009
Vick Cristina Barcelona
Woody Allen volta a acertar
Em dado momento de Vick Cristina Barcelona, Juan Antonio, o personagem de Javier Bardem, revela para Vick que o pai dele é um excelente poeta, mas se recusa a publicar seus poemas porque o mundo não os merece. Excelente ponto de partida para compreender o próprio Juan, um homem que parece em extinção atualmente. É interessante analisar esse personagem contrapondo-o ao noivo de Vick, um yuppie, exemplo clássico de pessoa que se esquece de exercitar o lado direito do cérebro, e ao marido de Judy, que questiona Vick sobre a dissertação de mestrado dela. “O que você vai fazer com isso?”; um questionamento extremamente grosseiro. Na míope visão de mundo dele, se não traz benefício financeiro, que vantagem pode trazer? A insatisfação da esposa tem lugar. O macho tosco e insensível, aqui, é de certa forma punido.
Esse diferencial percebido no pintor muitas vezes é interpretado por alguns homens como “viadagem”, mas é algo do qual várias mulheres sentem falta, uma sensibilidade masculina que diferencia um homem dos outros. Cristina, num primeiro momento, é mais astuta e logo percebe que Juan tem esse lado diferente. Vick, por seu turno, talvez assustada com a abordagem inicial agressiva do artista, resiste num primeiro momento, mas depois percebe o mesmo que a amiga, de supetão, percebera. Estava faltando algo no relacionamento dela e ela não tinha ideia do que era; foi descobrir na viagem a Oviedo. Inaugura-se, para ela, um momento de total insegurança com relação aos seus sentimentos e a descoberta de algo que até então nem imaginaria que pudesse ser despertado.
Porém o mesmo diferencial que faz de Juan Antonio uma preciosidade torna-o uma opção alternativa demais, mesmo para a pretensamente liberal Cristina. O retorno da ex-esposa desequilibrada Maria Elena à casa do pintor vai descortinar um lado da personalidade deles, um amor totalmente irracional e por isso mesmo intenso, que pode soar como uma quase afronta aos valores americanos e por extensão aos de Cristina, estabelecendo aí um dilema para ela. O fascínio, entretanto, faz a americana adotar o espírito transgressor de Juan e de Maria e mergulhar num mundo colorido e voltar a atenção a um talento talvez adormecido, talvez inexistente.
Vick Cristina Barcelona é um filme para refletir. Uma reflexão fundada não em escapismos fáceis, mas em elucubrações que tornam as relações humanas complexas, como de fato são. Longe de um tratamento superficial dos sentimentos dos personagens, Allen, como fez em Match Point, consegue extrair o máximo do elenco, mesmo de uma atriz limitadíssima como Scarlett Johansson, em atuações tridimensionais. Ressalva há que se fazer apenas à narração em off, que se mostra redundante em vários momentos e desfaz a magia de algumas sequências que já se autoexplicam.
Em dado momento de Vick Cristina Barcelona, Juan Antonio, o personagem de Javier Bardem, revela para Vick que o pai dele é um excelente poeta, mas se recusa a publicar seus poemas porque o mundo não os merece. Excelente ponto de partida para compreender o próprio Juan, um homem que parece em extinção atualmente. É interessante analisar esse personagem contrapondo-o ao noivo de Vick, um yuppie, exemplo clássico de pessoa que se esquece de exercitar o lado direito do cérebro, e ao marido de Judy, que questiona Vick sobre a dissertação de mestrado dela. “O que você vai fazer com isso?”; um questionamento extremamente grosseiro. Na míope visão de mundo dele, se não traz benefício financeiro, que vantagem pode trazer? A insatisfação da esposa tem lugar. O macho tosco e insensível, aqui, é de certa forma punido.
Esse diferencial percebido no pintor muitas vezes é interpretado por alguns homens como “viadagem”, mas é algo do qual várias mulheres sentem falta, uma sensibilidade masculina que diferencia um homem dos outros. Cristina, num primeiro momento, é mais astuta e logo percebe que Juan tem esse lado diferente. Vick, por seu turno, talvez assustada com a abordagem inicial agressiva do artista, resiste num primeiro momento, mas depois percebe o mesmo que a amiga, de supetão, percebera. Estava faltando algo no relacionamento dela e ela não tinha ideia do que era; foi descobrir na viagem a Oviedo. Inaugura-se, para ela, um momento de total insegurança com relação aos seus sentimentos e a descoberta de algo que até então nem imaginaria que pudesse ser despertado.
Porém o mesmo diferencial que faz de Juan Antonio uma preciosidade torna-o uma opção alternativa demais, mesmo para a pretensamente liberal Cristina. O retorno da ex-esposa desequilibrada Maria Elena à casa do pintor vai descortinar um lado da personalidade deles, um amor totalmente irracional e por isso mesmo intenso, que pode soar como uma quase afronta aos valores americanos e por extensão aos de Cristina, estabelecendo aí um dilema para ela. O fascínio, entretanto, faz a americana adotar o espírito transgressor de Juan e de Maria e mergulhar num mundo colorido e voltar a atenção a um talento talvez adormecido, talvez inexistente.
Vick Cristina Barcelona é um filme para refletir. Uma reflexão fundada não em escapismos fáceis, mas em elucubrações que tornam as relações humanas complexas, como de fato são. Longe de um tratamento superficial dos sentimentos dos personagens, Allen, como fez em Match Point, consegue extrair o máximo do elenco, mesmo de uma atriz limitadíssima como Scarlett Johansson, em atuações tridimensionais. Ressalva há que se fazer apenas à narração em off, que se mostra redundante em vários momentos e desfaz a magia de algumas sequências que já se autoexplicam.
quinta-feira, 20 de agosto de 2009
O principal suspeito / A espinha do diabo
Mais suspenses esquecidos
Já comentei aqui mesmo no blog sobre thrillers de suspense esquecidos pelo grande público; volto ao tema para trazer mais dois ótimos exemplos: O principal suspeito (Nightwatch) e
A espinha do diabo (El espinazo del diablo).
Assisti aos dois no cinema; o primeiro foi em 1998, no shopping cidade, aqui de BH, em uma sessão de sábado, com o cinema quase às moscas (do jeito que eu gosto). O filme narra a história de um estudante de direito (Ewan Mcgregor) que precisa aceitar um trabalho de vigia noturno para pagar o último semestre da faculdade; só que o trabalho é em um necrotério sinistro, e num momento em que há um maníaco necrófilo à solta... Boas atuações de Nick Nolte e de Josh Brolin (aquele mesmo de Os Goonies e visto recentemente em Onde os fracos não têm vez).
Quando vi A espinha do diabo, no finado Cine Nazaré em 2001, estávamos apenas eu, o projecionista e mais dois heróis da resistência na sessão; impressionante como o público médio perde excelentes oportunidades de ver um bom filme...
O que mais me chamou a atenção no filme foi a sua qualidade indiscutível como suspense. Arrisco a dizer que é superior a O sexto sentido; as histórias são similares, mas A espinha tem como diferencial um roteiro mais consistente, que utiliza, inclusive, o gancho da guerra civil espanhola para a construção de uma cena linda, ao final; o filme, ainda, não se alicerça em apenas uma boa atuação infantil; todo o elenco de garotos se sobressai, tornando-o realmente imperdível.
Links dos filmes no Adoro Cinema:
http://www.adorocinema.com/filmes/principal-suspeito/principal-suspeito.asp
http://www.adorocinema.com/filmes/espinha-do-diabo/espinha-do-diabo.asp
Até mais!
Já comentei aqui mesmo no blog sobre thrillers de suspense esquecidos pelo grande público; volto ao tema para trazer mais dois ótimos exemplos: O principal suspeito (Nightwatch) e
A espinha do diabo (El espinazo del diablo).
Assisti aos dois no cinema; o primeiro foi em 1998, no shopping cidade, aqui de BH, em uma sessão de sábado, com o cinema quase às moscas (do jeito que eu gosto). O filme narra a história de um estudante de direito (Ewan Mcgregor) que precisa aceitar um trabalho de vigia noturno para pagar o último semestre da faculdade; só que o trabalho é em um necrotério sinistro, e num momento em que há um maníaco necrófilo à solta... Boas atuações de Nick Nolte e de Josh Brolin (aquele mesmo de Os Goonies e visto recentemente em Onde os fracos não têm vez).
Quando vi A espinha do diabo, no finado Cine Nazaré em 2001, estávamos apenas eu, o projecionista e mais dois heróis da resistência na sessão; impressionante como o público médio perde excelentes oportunidades de ver um bom filme...
O que mais me chamou a atenção no filme foi a sua qualidade indiscutível como suspense. Arrisco a dizer que é superior a O sexto sentido; as histórias são similares, mas A espinha tem como diferencial um roteiro mais consistente, que utiliza, inclusive, o gancho da guerra civil espanhola para a construção de uma cena linda, ao final; o filme, ainda, não se alicerça em apenas uma boa atuação infantil; todo o elenco de garotos se sobressai, tornando-o realmente imperdível.
Links dos filmes no Adoro Cinema:
http://www.adorocinema.com/filmes/principal-suspeito/principal-suspeito.asp
http://www.adorocinema.com/filmes/espinha-do-diabo/espinha-do-diabo.asp
Até mais!
quinta-feira, 2 de abril de 2009
O gângster
Uma quase obra-prima
É possível um diretor realizar um filme quase perfeito, colocando tudo a perder nos 20 minutos finais? Depois de assistir a O gângster temos a convicção de que sim, isso é possível.
O gângster foi feito para dar certo: elenco de peso, direção segura de Ridley Scott, reconstituição de época perfeita, trilha sonora com clássicos inesquecíveis da Motown e Denzel Washington inspiradíssimo na construção de um Frank Lucas complexo, que apresenta uma ambiguidade que o torna um homem de mil faces, vacilando uma vez mais entre um instinto assassino e o de um homem que ora na mesa de jantar com a família ou quando é confrontado pela mãe, a veterana Ruby Dee em elogiada composição. O negro pobre do Harlem, que vê sua soberania nascer depois da morte de seu mentor, lança mão de um modus operandi ousado – mas ao mesmo tempo muito discreto –, até então restrito apenas às “famílias” de mafiosos italianos, comercializando uma droga que chegava a 100% de pureza, utilizando contatos com militares em plena Guerra do Vietnã e cultivando amizades com várias estrelas do mundo do esporte, entre os quais o ex-boxeador Joe Louis. A dualidade do personagem é um dos pilares de sustentação de uma narrativa que se vale mais da força das suas atuações do que da relevância do seu argumento.
Russel Crowe, com seu detetive acima de qualquer suborno, Richie, ao mesmo tempo em que se afasta de Lucas pela sua conduta exemplar, mostra-se incapaz de ser um homem feliz na sua vida privada. Crowe empresta verossimilhança na construção do personagem, por exemplo, quando achincalha seu parceiro ao salvá-lo de um possível linchamento ou quando se nega a embolsar parte do 1 milhão de dólares que apreendera, fato que o torna uma ameaça a policiais corruptos como o sujo detetive Trupo, interpretado por um não menos inspirado Josh Brolin.
A narrativa, não obstante ser bem engendrada, derrapa exatamente quando começa o embate direto entre as figuras do traficante e do policial, depois de mais de duas horas de filme. Na medida em que se aproximam, começa um tipo de amizade que fica difícil conceber, depois de o policial passar mais da metade da história sem ao menos conhecer o bandido e, quando o conhece, descobrir que pelas mãos daquele homem milhares de quilos da droga eram despejados em solo americano, ceifando vidas e alastrando um ciclo de violência nas ruas de Nova York. Soa artificial e falso não o fato de Lucas colaborar com a polícia, mas sim o de Richie criar uma aproximação tão direta com o traficante a ponto de abandonar a força para se dedicar à advocacia e ter ninguém mais, ninguém menos que Frank Lucas como seu primeiro cliente! Ok, o filme é baseado em fatos reais, mas poderia ter sido dedicado um tempo maior para que essa tal amizade parecesse mais aceitável aos olhos de quem a recebe, e não feita “às pressas” como de fato foi concebida. Não fosse por essa mancada do roteiro, O gângster poderia ser uma obra-prima, não apenas um filme excelente.
É possível um diretor realizar um filme quase perfeito, colocando tudo a perder nos 20 minutos finais? Depois de assistir a O gângster temos a convicção de que sim, isso é possível.
O gângster foi feito para dar certo: elenco de peso, direção segura de Ridley Scott, reconstituição de época perfeita, trilha sonora com clássicos inesquecíveis da Motown e Denzel Washington inspiradíssimo na construção de um Frank Lucas complexo, que apresenta uma ambiguidade que o torna um homem de mil faces, vacilando uma vez mais entre um instinto assassino e o de um homem que ora na mesa de jantar com a família ou quando é confrontado pela mãe, a veterana Ruby Dee em elogiada composição. O negro pobre do Harlem, que vê sua soberania nascer depois da morte de seu mentor, lança mão de um modus operandi ousado – mas ao mesmo tempo muito discreto –, até então restrito apenas às “famílias” de mafiosos italianos, comercializando uma droga que chegava a 100% de pureza, utilizando contatos com militares em plena Guerra do Vietnã e cultivando amizades com várias estrelas do mundo do esporte, entre os quais o ex-boxeador Joe Louis. A dualidade do personagem é um dos pilares de sustentação de uma narrativa que se vale mais da força das suas atuações do que da relevância do seu argumento.
Russel Crowe, com seu detetive acima de qualquer suborno, Richie, ao mesmo tempo em que se afasta de Lucas pela sua conduta exemplar, mostra-se incapaz de ser um homem feliz na sua vida privada. Crowe empresta verossimilhança na construção do personagem, por exemplo, quando achincalha seu parceiro ao salvá-lo de um possível linchamento ou quando se nega a embolsar parte do 1 milhão de dólares que apreendera, fato que o torna uma ameaça a policiais corruptos como o sujo detetive Trupo, interpretado por um não menos inspirado Josh Brolin.
A narrativa, não obstante ser bem engendrada, derrapa exatamente quando começa o embate direto entre as figuras do traficante e do policial, depois de mais de duas horas de filme. Na medida em que se aproximam, começa um tipo de amizade que fica difícil conceber, depois de o policial passar mais da metade da história sem ao menos conhecer o bandido e, quando o conhece, descobrir que pelas mãos daquele homem milhares de quilos da droga eram despejados em solo americano, ceifando vidas e alastrando um ciclo de violência nas ruas de Nova York. Soa artificial e falso não o fato de Lucas colaborar com a polícia, mas sim o de Richie criar uma aproximação tão direta com o traficante a ponto de abandonar a força para se dedicar à advocacia e ter ninguém mais, ninguém menos que Frank Lucas como seu primeiro cliente! Ok, o filme é baseado em fatos reais, mas poderia ter sido dedicado um tempo maior para que essa tal amizade parecesse mais aceitável aos olhos de quem a recebe, e não feita “às pressas” como de fato foi concebida. Não fosse por essa mancada do roteiro, O gângster poderia ser uma obra-prima, não apenas um filme excelente.
segunda-feira, 30 de março de 2009
Quem quer ser um milionário?
É difícil entender como um filme como Quem quer ser um milionário? tenha sido tão elogiado por público e crítica, tendo arrebatado vários prêmios mundo afora. Só mesmo as diferenças culturais para explicar esse fenômeno, já que, por aqui, a recepção (pelo menos por parte da crítica) não foi tão boa assim. Boa parte do público, entretanto, gostou de ver mais essa exploração de clichês reciclados e devidamente aclimatados.
Levando às telas a história de um garoto indiano prestes a se tornar um milionário por meio da participação em um concurso no melhor estilo “show do milhão”, Danny Boyle, o diretor superestimado de Transpoitting, não consegue impor um filme à altura de seu argumento. Para nós, latinoamericanos, não é surpresa nenhuma ver meninos tendo de se virar para comer o pão – quase negado – de cada dia ou favelas com esgoto a céu aberto e lixo até onde a vista alcança, mas parece haver, lá fora, um fetiche por pobreza (basta lembrar que na favela da Rocinha há excursões ao alto do morro para turistas deslumbrados com as vielas da maior favela da América Latina). Talvez isso explique em parte o sucesso do filme em outras terras. Boyle parece não desenvolver a contento nenhum dos personagens de Quem quer ser um milionário?, fazendo-os marionetes sem nenhum traço de ambiguidade ou complexidade, ante um roteiro repleto de clichês que quer ser inovador e catártico.
A historinha de amor que perpassa o filme não tem a profundidade que a tornaria mais humana e interessante, resumindo-se a diálogos tolos e a uma superficialidade de dar pena. Entretanto, se Quem que ser um milionário? é incipiente com relação ao desenvolvimento dos seus personagens o mesmo não pode ser dito dos atores mirins, que são responsáveis pelos melhores momentos do filme e sustentam a fragmentada narrativa com carisma e boas atuações. Mérito também para a trilha sonora, recheada de deliciosa música indiana e que combina perfeitamente com a fotografia de Dod Mantle e com a montagem ágil de Chris Dickens. Um filme muito eficiente em termos comerciais, mas um tanto capenga pelo viés narrativo.
Levando às telas a história de um garoto indiano prestes a se tornar um milionário por meio da participação em um concurso no melhor estilo “show do milhão”, Danny Boyle, o diretor superestimado de Transpoitting, não consegue impor um filme à altura de seu argumento. Para nós, latinoamericanos, não é surpresa nenhuma ver meninos tendo de se virar para comer o pão – quase negado – de cada dia ou favelas com esgoto a céu aberto e lixo até onde a vista alcança, mas parece haver, lá fora, um fetiche por pobreza (basta lembrar que na favela da Rocinha há excursões ao alto do morro para turistas deslumbrados com as vielas da maior favela da América Latina). Talvez isso explique em parte o sucesso do filme em outras terras. Boyle parece não desenvolver a contento nenhum dos personagens de Quem quer ser um milionário?, fazendo-os marionetes sem nenhum traço de ambiguidade ou complexidade, ante um roteiro repleto de clichês que quer ser inovador e catártico.
A historinha de amor que perpassa o filme não tem a profundidade que a tornaria mais humana e interessante, resumindo-se a diálogos tolos e a uma superficialidade de dar pena. Entretanto, se Quem que ser um milionário? é incipiente com relação ao desenvolvimento dos seus personagens o mesmo não pode ser dito dos atores mirins, que são responsáveis pelos melhores momentos do filme e sustentam a fragmentada narrativa com carisma e boas atuações. Mérito também para a trilha sonora, recheada de deliciosa música indiana e que combina perfeitamente com a fotografia de Dod Mantle e com a montagem ágil de Chris Dickens. Um filme muito eficiente em termos comerciais, mas um tanto capenga pelo viés narrativo.
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